Objetivos

En primer lugar cabe resaltar que las materias correspondientes a este año en el plan de estudios tienen un amplio énfasis en la construcción orgánica de diferentes lenguajes gestuales que parten del estudio de las épocas elegidas tanto en su contexto histórico, social y cultural en general y el artístico-teatral en lo particular. La intención es que a través de este estudio se generen los puntos de vista y acuerdos en cuanto a los temas y conflictos humanos presentados en las obras y lo principal, el sustento imaginativo que permitirá la construcción de los personajes en sus aspectos gestuales y vocales. Las condiciones de la representación en cada época, la relación de aquellos actores con los textos dramáticos, la estilización particular del uso del cuerpo e incluso las formas de relación con el público, aunado a las prácticas y espacios teatrales contemporáneos, son los elementos que los estudiantes tanto individualmente como en grupo van moldeando para construir sus personajes como la puesta en escena. Fue intención de las materias la observación de nuestra propia época a través de los autores y obras seleccionadas para los dos semestres.

Teatro Clásico

En el caso del primer semestre la obra seleccionada fue La comedia del fantasma, de Tito Maccio Plauto, correspondiente al teatro clásico grecolatino, en donde el proceso se dio en dos partes: Una primera que correspondió al ejercicio escénico de creación corporal y vocal de los personajes y situaciones en la obra, la cual fue adaptada sintetizándola y adecuándola a un lenguaje más común y accesible; el trabajo en esta parte se enfocó en las propiedades y efectos de la farsa y la comedia, trabajando con la estilización del cuerpo y las acciones, analizando, descomponiendo y reconstruyendo secuencias de acción de acuerdo a lógicas y calidades de movimiento diversas, trabajando la mima corporal, el lenguaje inventado, la animalidad de los personajes, su tipificación, ciertos principios de improvisación en torno a la realidad concreta de la representación y la relación abierta y viva con el público. La segunda parte del trabajo, fuera de los objetivos académicos, consistió en la producción de la obra, en la que a través de la formación de equipos de trabajo se fueron realizando diseños y construcción de escenografía y vestuario. Se pudo realizar una pequeña temporada de seis funciones en espacios diversos de Mérida en la que pudieron enfrentarse los elementos trabajados por los actores ante distintos públicos que pusieron a prueba su energía, voz y conciencia de la progresión y ritmo de la acción, sobre todo tratándose de una farsa como la Plauto.

Siglo de Oro

El segundo semestre del año correspondiente al Siglo de Oro español estuvo dedicado al montaje de la obra El médico de su honra, de Pedro Calderón de la Barca. Para ello,

además del estudio de la época, desde el renacimiento al barroco, definida desde el campo de lo histórico-social y lo cultural-artístico, se revisaron también los conceptos fundamentales de la versificación y métrica española, tratando de abarcar las principales formas estróficas y retóricas utilizadas (muchas de ellas creadas y/o perfeccionadas en la época de estudio). Como complemento a la lectura de la obra a trabajar se planteó la creación de ejercicios basados en sonetos de autores correspondientes a la época, seleccionados por los mismos alumnos, analizados en sus aspectos de versificación y presentados escénicamente, creando situaciones, personajes o calidades de movimiento relacionados con el tema o asunto del poema; así mismo se leyó y se hizo un análisis somero de la obra El castigo sin venganza, de Lope de Vega, obra que comparte con la de Calderón temática y valores, y cuya comparación sirvió para observar los estilos distintos de los autores dentro del tono trágico de estas dos piezas. El análisis realizado a El médico de su honra fue básicamente el situacional y de acción, a través del cual se determinaron las escenas y secuencias de escenas (escenas relacionadas temáticamente y en términos de espacio-tiempo de la acción) que se iban concatenando para hacer avanzar la acción principal y las relaciones entre los personajes. El otro análisis, realizado de manera paralela, fue el de estructura de versificación, en el que se fueron reconociendo las diferentes formas estróficas utilizadas por Calderón de acuerdo a las escenas de la obra y sus propiedades rítmicas, de rima y de sentido. Una parte importante del trabajo fue reconocer y hacer propias la entonación, pausa y énfasis que adquiere el texto dicho respetando las reglas de la versificación, a diferencia de cuando estas reglas son pasadas por alto y no se consigue la musicalidad del verso, dándose sólo el efecto de la prosa. En cuanto al lenguaje gestual se propuso como premisa de la puesta en escena, crear corporalidades y gestos hieráticos, estatuarios, de una contención medida y articulada con el texto, de manera que el peso principal en el espectáculo recayera en la escucha clara y direccionada del texto de Calderón. Para esto se procuró trabajar siempre a partir de una base firme en el cuerpo y la movilidad de los brazos a partir de la lentitud y la dilatación, así como de la simbolización a partir de formas de colocación en brazos y manos que propiciaran la acentuación, sugerencia o contradicción con el sentido del texto. La condición social de los personajes, entendida como un campo gestual fundamental para la época, teniendo como base el concepto de “decoro”, fue un cúmulo de recursos a explotar y sirvió como base para crear relaciones y situaciones más claras entre los personajes de la obra. Y al final, la comprensión de la acción, objetivos, procesos de pensamiento, giros de la acción para integrar en la partitura del texto versificado, los cambios de ritmo, énfasis y matices propios del momento a momento de los personajes.

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