Propuesta de dirección del proyecto “Formión”, de Publio Terencio Afro

  Surge la idea de esta puesta en escena del encuentro con la obra de Publio Terencio Afro, uno de los dos comediógrafos latinos cuya obra se pudo conservar hasta nuestros días, a pesar de sus casi veintitrés siglos de existencia y los grandes cambios que la humanidad sufrió en ese lapso.

  Dejamos de lado los prejuicios sobre los autores latinos y su supuesta imitación de los modelos de la “comedia nueva” griega (Menandro, Dífilo, Filemón), porque sin ellos poco podríamos saber de obras y autores de los que únicamente se conservan fragmentos y referencias; y descubrimos razones de peso para ubicar genealógicamente a este autor y al teatro de su tiempo como origen de muchas vertientes teatrales que echaron raíz gracias al terreno fecundo que prepararon: la mirada a la cotidianidad de la ciudad con sus personajes, costumbres y situaciones recurrentes; la tipificación de los personajes de acuerdo a su edad, sexo y condición social que permite diferentes combinaciones e interjuegos que reflejan claramente a la sociedad y sus problemáticas; las tramas o “intrigas” que a pesar de su complicación se resuelven siempre en un final festivo; la crítica de los vicios y una visión aguda sobre las injusticias y corrupciones en la sociedad; las convenciones teatrales creadas en función del entretenimiento de un público que provenía de los cuatro puntos cardinales del mundo conocido, el cuerpo en movimiento, danzando, mimando, cantando, disfrutando. Son estas algunas de las líneas que se siguieron desarrollando en la historia del teatro desde esos días.

  La maestría de Terencio tuvo gran influencia durante las diferentes épocas que le siguieron, convirtiéndose en objeto de estudio obligado para aquellos que tenían acceso a la lectura desde la época del Imperio Romano, haciendo fecundos Renacimiento y Barroco, llegando hasta nuestros días con vitalidad sorprendente. La Commedia dell’Arte vendría a recoger y rescatar el conocimiento de toda una serie artistas escénicos marginales y casi fugitivos por la condena de los poderosos dogmas cristianos, quienes serían los recipientes de las distintas vertientes escénicas que se originaron en el teatro de Roma y sus provincias durante la República y el Imperio. Y a través de la Commedia, siguieron siglos de gloriosa fecundidad teatral que se extendió por toda Europa y sus colonias. Así, la deuda con estos supuestos “imitadores” es grande aunque se les tenga en poca estima. Amalgamaron en un nuevo teatro no sólo el teatro griego, sino las expresiones escénicas etruscas, latinas, fenicias; todo mientras el latín y la identidad romana iban siendo inventados, casi podríamos decir, la civilización como la conocemos hasta hoy. Es necesario ver sus obras en nuestra actualidad, sobre todo en nuestras técnicas contemporáneas de creación escénica, permitiendo la revaloración de las voces de estos autores así como la renovación de nuestro propio teatro.

  La manera óptima de recoger una tradición tan grande como la que encierra Formión, es poner el acento de esta puesta en escena en el trabajo realizado por el grupo de actores en busca de contar esta historia a partir de las posibilidades de sus propios cuerpos, jugando con su dilatación y deformación, construyendo en la mayoría de los casos a varios personajes bien diferenciados, transformando los elementos escenográficos para crear los distintos espacios, cantando, bailando; entendiendo que la festividad, la burla y la ironía son también medios de dar cuenta a profundidad de las historias de mayor seriedad. La improvisación en torno al campo de la farsa, la mima corporal y la precisión, ritmo y organicidad en la caracterización de los personajes será fundamental para la puesta en escena. La gestualidad, el lenguaje, la música, vestuario y objetos de utilería mezclarán tanto lo supuestamente “clásico” (en especie de fársico distanciamiento) cuanto sugerencias y referencias claras a la actualidad, esta mezcla será un elemento de juego tanto en la exploración actoral como en la puesta en escena final.

  El texto adaptado tendrá una etapa de reescritura que recogerá los encuentros ocurridos durante la exploración actoral. Se buscará generar una relación con el público en la que no se pierda de vista la presencia de los actores tanto individual como colectiva, generando a los personajes, espacios y situaciones a la vista del público, con una atención clara y aprovechamiento (en el marco del tono y progreso de la obra) del “aquí y ahora” de ambos planos: el de la ficción (en movimiento pero siempre el mismo) y el de la realidad concreta de la representación (sorpresivo y siempre cambiante). Los elementos escenográficos habrán de ser los mínimos, jugando con las tres puertas clásicas del teatro latino, la Regia y las dos Hospitalatia teniendo la posibilidad de moverse por el escenario y/o adaptarles distintas piezas para conformar los espacios de la historia. La relación del actor con estos elementos y la organización coreográfica de su movimiento será otra área de definición de la puesta en escena.

  Se busca generar un espectáculo con amplias posibilidades de movimiento, no restringidas a los teatros ni espacios cerrados, si no a un rango mayor de escenarios, sobre todo escuelas y parques municipales, museos y edificios públicos. La obra busca entretener al tiempo de propiciar la reflexión en un público de muy diversas edades, sobre todo a partir de los doce años, así como también de muy diversos niveles socio-culturales, por su visión tan sencilla como universal de los conflictos humanos de todas las épocas.

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